[戲劇] 《夜奔》

地點：實驗劇場
演出：香港進念20面體
時間：2011/3/26 14:30

    說到《夜奔》，腦海中第一印象是裴大帥穩穩當當的單腳屈膝蹲下，那個讓人忍不住大喊一聲「好啊」的扎實功夫；第二印象是劉若英、黃磊合演的電影《夜奔》，裡面對於同志之情和大時代的慨歎。

    香港進念二十面體則是完全不一樣的態度來演繹《夜奔》，編導疏離的解析李開先的〈夜奔〉文本，化成時代感和昆曲交流。然而由於這一種「解析」的態勢，讓整齣戲不得不決定了其客觀又疏離的對話姿態──同時，也是對觀眾並不友善的姿態。

    正式開場前，導演便用了「撿場」來說明整場戲的意旨：撿場旁若無人的搬出一桌二椅，專注而凝重的注視著自己擺放好的桌椅，不時採取各種角度來觀看，和觀眾一起「準備」戲的開演。觀眾席的燈全亮，場上的表演並不明確的說明究竟開演了沒，觀眾從悉悉酥酥到漸漸
安靜下來，但燈始終沒有暗。

    「我們不知道導演希望我們看什麼」，這種撿場一人在台上瞎忙、觀眾目光找不到焦點的狀態維持了好一陣子，直到電子音樂（應該是電子琴）的聲音出來，輔助的動作是崑曲〈下山〉一折當中，配上紅絲帶，在現代舞和崑曲程式化動作中猶擺的姿態，沒有台詞、沒有唱詞與唸白。接著隨著音樂的改變，轉換成歌劇，而演員的動作逐漸趨向程式化的崑劇，少了現代舞的隨意，並試圖在歌劇音樂與昆曲動作之中找到融合，從頓點／重拍中可以約略感受到這種融合。而直到此時，場上的大燈、觀眾席的大燈都還沒有暗過。

導演企圖將崑曲與西方音樂的結合意圖明顯，雖不突兀但也不突出，抽掉口白、唱詞之後觀眾變的無所依托，即使是水滸傳這麼耳熟能詳的故事，觀眾依舊非常不安，甚至變得無法欣賞。

    隨著歌劇的音樂聲漸弱，觀眾席的燈光終於漸漸的暗下。單純而潔白的背板化身成為巨大的投影板，慢慢的投上故事脈絡、製作團隊等等資訊，戲彷彿現在才開始──但就在觀眾好不容易安心下來要欣賞之際，天花板的日光燈閃了幾閃，燈又亮了。

    著西裝和馬掛的異時林沖分別走出，而後場上一直有一個坐著凝視的人，可能是撿場、可能是李開先。導演把程式化的動作說白了，投影字幕上寫著「讓我們想像眼前是李開先的書房……」，觀眾必須配合字幕輔以想像，但很不幸的，字幕約在幾分鐘後又消失了。

    觀眾就像乘坐在暴風雨中迷航一般，不斷的在找舞臺上發生了什麼事，但其實從頭到尾都找不到。

    接下來導演要玩的就是撿場時空和舞台時空的矛盾感，這邊做的相當流暢，舞台上唯一在忙的人是撿場，他上上下下、忙進忙出的搬著道具，而林沖凝神屏氣，節奏極慢的調整著自己的呼吸、準備著自己的表演。這時的音樂終於配上了崑曲，但若有似無的低吟著，觀眾依舊
沒有聽見唱詞，但霎時間，極大的火車聲湧進，一切都被覆蓋了，被新時代、新世界、新發明給顛覆了。

    到此為止約莫只是整齣戲的前三分之ㄧ，至於後面的劇情也大約同前述，撿場的凝視、林沖（崑曲）面臨大時代如何自處，兩條相異的時間軸平行往前行進，偶爾交疊於是產生對話。

    但讓我疑惑的是：為什麼不唱？從三位演員的肢體看的出來，絕對不是因為他們不能唱，三位功夫都是沒話說的，在那些迷航的時刻裡，要不是幾位演員的功夫如此迷人，大概早就昏睡了吧，那既然能唱，為什麼要用若有似無的配音輔以字幕，讓觀眾看也不專心、聽也不清
楚？

    崑曲的身段比起唱來說還是次要，被抽掉「聲音」的崑曲還是崑曲嗎？這樣要如何「對話」？節目單上寫著這是獻給「撿場」的作品，但撿場除了不斷注目著台上台下存在過、或已經消逝的一切之外，還有沒有其他更值得被關注的面向？

    不然，說穿了這也就是一個手段高明的「消費」罷了，做這樣一個「哀悼」崑劇曾經存在的作品，不如說是在「唱衰」崑曲的。崑曲依然興著，在裴艷玲的作工當中他不曾死去，如果崑劇會死，也是因為這樣過度的詮釋與找不到重點的疏離演出。

    當然演員的表演是精采的，沒話說的現場，身段和擊樂都做的相當了不起，但這種轉化是失敗的，觀眾不會因此想多了解崑曲、多聽一回〈夜奔〉。